Образ солнца огня у стравинского

Презентация «Образы солнца, огня в музыке, литературе и живописи»

Презентация «Образы солнца,огня в музыке, литературеи живописи»

Скачать:

Предварительный просмотр:

Подписи к слайдам:

Образы солнца, огня в литературе, живописи и музыке Презентация по искусству Ученицы 9 класса Мшинской СОШ Антия Лолиты

В различных видах искусства используются образы Солнца и Огня. Солнце – главное небесное светило, которое даёт тепло, свет и жизнь. Во все времена его почитали. В его образе с древних пор представляли различных богов. Слишком много света и с олнца не бывает ни в людских сердцах, ни в жизни, ни на полотнах. Огонь является одной из основных стихий, символом Бога и Духа, торжества жизни и света над смертью и мраком, всеобщего очищения.

В литературе обе эти стихии хорошо изображал Константин Дмитриевич Бальмонт . С ними, заявляет поэт, «неизменно живёт моя душа в радостном и тайном соприкосновении». Огонь же – «моя любимая стихия… Я молюсь Огню. Огонь есть истинно всемирная стихия, и кто причастился Огнём, тот слит с Мировым» (1904). «Гимн Огню», Изменчиво влияние огня, то сжигающего, то возрождающего, то открывающего «завет бытия»: «Я спросил у высокого солнца, Как мне вспыхнуть светлее зари, Ничего не ответило солнце, Но душа услыхала: «Гори!»

Образ Солнца, Бальмонт отобразил создав сборник «Будем как Солнце» в 1903 году, поставил в эпиграф строку древнегреческого философа Анаксагора, которая позже превратилась в целое стихотворение. А это стихотворение крепко запомнили читатели: Я в этом мир пришёл, чтоб видеть Солнце И синий кругозор. Я в этот мир пришёл, чтоб видеть Солнце И выси гор. Я в этот мир пришёл, чтоб видеть Море И пышный цвет долин. Я заключил миры в едином взоре, Я властелин.

В стихотворениях Г.В. Державина, А.С. Пушкина, Ф.И. Тютчева, А.А. Фета образ солнца всегда радостный и восторженный. Так, у Державина читаем: «Но, солнце, мой вечерний луч! Уже за холмы синих туч Спускаешься ты в темны бездны» ; у Пушкина: «Уж реже солнышко блистало», «Мороз и солнце; день чудесный!», «Блестя на солнце, снег лежит»; у Фета: «Ещё вчера, на солнце млея», «Солнца луч промеж лип был и жгуч и высок»; у Тютчева: «И солнце нити золотит», «Уж солнца раскалённый шар с главы своей земля скатила», «Сияет солнце, воды блещут, на всём улыбка, жизнь во всём», «Солнце светит золотое». А отсутствие солнечного света приобретает в себе символическое значение на страницах повестей Н.В. Гоголя, романов Ф.М. Достоевского.

А вот в стихотворениях Мандельштама совсем не присутствует Солнце жёлтого цвета. Либо оно отсутствует, либо оно тёмное. Устойчивый образ тёмного Солнца находим в стихотворениях поэта довольно часто: «чёрное солнце, ночное солнце, вчерашнее солнце». Образ чёрного, ночного солнца – нередкий гость в мировой литературе, особенно религиозной. Затмение солнца – чёрное солнце – предвестие смерти. «Страсти дикой и бессонной Солнце чёрное уймём». «Солнце чёрное взошло». «Я проснулся в колыбели, Чёрным солнцем осиян». «Человек умирает, песок остывает согретый, И вчерашнее солнце на чёрных носилках несут». «А ночного солнца не заметишь ты».

В живописи также прослеживается образ Солнца и Огня. Композиция «Соната Солнца» Микалоюса Константинаса Чюрлёниса – это настоящий гимн могущественному светилу. А на картине «Баллада о чёрном солнце» над миром восходит чёрное солнце, чёрные тучи пересекают небо, гасят его краски, в небесах реет зловещая птица, вестник беды и несчастья.

На картине В. Цыплакова «Мороз и Солнце» изображён зимний солнечный день. Снег искрится на солнце так, что глазам даже больно смотреть. Художник при помощи солнца передаёт здесь очень морозный день. Русская зимняя природа благодаря этому кажется величественной. Картина наполнена солнцем и светом. Также очень часто в живописи используется образ огня. Это можно увидеть в картинах, например, Э. Шклярского . Ярким примером образа огня в живописи можно назвать его выставку картин «Огонь, иди со мной». Все произведения здесь посвящены пламенной сущности красного цвета. При этом качество поверхности благодаря масляной живописи становится «зеркальным».

Образы Солнца и Огня плотно отображены и в звуках. В песне «Заход Солнца» Э. Грига можно не только услышать, но и представить этот заход. В произведениях русских композиторов солнце имеет положительный, добрый, справедливый, сильный мужской образ. В самой поэтичной опере Н. Римского-Корсакова «Снегурочка» мы слышим ритуальное обращение к всемогущему богу Солнце- Яриле – символу света, тепла. Плодородия и любви. Образы Солнца, света, огня вошли в музыку А. Скрябина ещё с юности. Он воплотил солнцепоклонничество, точнее светоносность своими, специфическими музыкальными средствами, в отличие от поэтов, которые более ясно и очевидно моли декларировать это в слове. Композитор А. Скрябин в наиболее полной, завершённой форме воплотил образ ОГНЯ в симфонической поэме «Прометей» («Поэма Огня»).

Источник

Образ солнца огня у стравинского

Музыкальнo-поэтическая символика огня

В начале XX в. Александр Николаевич Скрябин (1871/72—1915) — выдающийся русский композитор, пианист, педагог — создает оригинальное симфоническое произведение «Прометей» («Поэма огня»). Оно предполагает использование цветного света во время исполнения музыки. Это было ново и необычно.

В основе поэмы лежит древнегреческий миф о Прометее, который похитил огонь у богов и подарил его людям.

По-гречески слово «прометей» означает «провидец», «смотрящий вперед». Образ Прометея — одна из вечных тем искусства. С мифом о Прометее связывали Симфонию №5 Л. Бетховена, а финал Симфонии №3 («Героической») вырос непосредственно из музыки, которая первоначально была задумана как музыка балета «Прометей».

А. Скрябина вдохновляли две идеи: выражение энергии, движения, жизни, творчества и стремление «пропеть гимн дерзновенной воле человека». Композитор так определял содержание поэмы: «Прометей есть символ, в разных формах встречающийся во всех древних учениях. Это — активная энергия Вселенной, творческий принцип, это — огонь, свет, жизнь, борьба, усилие, мысль». Не случайно музыкальные темы поэмы получили образные характеристики: «тема творческих устремлений», «тема воли», «тема разума», «тема наслаждения» и др.

Во вступлении (интродукции) таинственное повествование символизирует темный, сине-лилово-серый хаос. На фоне «прометеевской гармонии» вступает мелодия — символ дерзновенной мечты самого Прометея. «Живое дыхание» космической стихии прорезывает соло трубы.

Главная тема экспозиции обозначена композитором в световой строке как ярко-синяя.

Психологически насыщенная разработка ассоциировалась у Скрябина с красным цветом. В репризе — кульминация поэмы с ее органными и колокольными звучностями. Здесь Скрябин предполагал «озарение» всего зала ослепительными лучами белого света. Неожиданно резкое завершение поэмы производит впечатление внезапно угасшего пламени грандиозного, космического пожара. Героический симфонизм «Прометея» явился вестником социальных бурь начала XX в. При жизни Скрябина не удалось реализовать световой проект, в котором композитор мечтал воплотить движущиеся линии и формы, громадные «огненные столбы», «текучую архитектуру». Однако идея зримой музыки оказалась чрезвычайно созвучной художникам русского авангарда, дала толчок опытам с движущейся абстрактной живописью и интереснейшим изобретениям. Появились цветосветовые установки, аппарат «Цветомузыка», оптический синтезатор звука, который был назван в честь Александра Николаевича Скрябина — АНС. Все эти направления позднее воплотились в современной электронной музыке (Э. Артемьев, А. Рыбников, Ж.-М. Жарр и др.).

• Послушайте симфоническую поэму Скрябина «Прометей», нарисуйте свою цветовую композицию этого сочинения.

• Какую роль играет включение в репризе хора, который исполняет «тему творческих стремлений», а в кульминации — «тему Прометея»?

• Представьте себя в роли дирижера и передайте выразительными жестами смену музыкальных образов в репризе поэмы.

• Какие жанры музыкального искусства помогли композитору создать образ Прометея (выберите из предложенных и аргументируйте свое мнение): программная симфония, концерт для фортепиано с оркестром, кантата?

• Сравните высказывания двух композиторов. Что их объединяет?

Бетховен: «Моя готовность служить своим искусством бедному страждущему человечеству никогда, начиная с детских лет, не нуждалась ни в какой награде, кроме внутренней удовлетворенности».

Скрябин: «Иду сказать людям, что они сильны и могучи. Чтобы стать оптимистом… нужно испытать отчаяние и победить его».

Художественно-творческое задание
Выполните самостоятельную работу на тему «Образы солнца, огня в литературе, живописии музыке» (К. Бальмонт, Н. Рерих, К. Юон, И. Стравинский, М. де Фалья, Н. Паганини и др.).

Сергеева Г. П., Искусство. 8—9 классы: учеб. для общеобразоват. учреждений / Г. П. Сергеева, И. Э. Кашекова, Е. Д. Критская. — М.: Просвещение, 2009. — 190 с.: ил.

_{Видео по искусству скачать, домашнее задание, учителям и школьникам на помощь онлайн}

Если у вас есть исправления или предложения к данному уроку, напишите нам.

Если вы хотите увидеть другие корректировки и пожелания к урокам, смотрите здесь — Образовательный форум.

Источник

Стравинский. Революция в музыке

Игорь Фёдорович Стравинский

Стравинский был одним из величайших композиторов ХХ столетия, игравшим ключевую роль в развитии самых разных направлений в музыке на протяжении почти полувека.

Игорь Стравинский — легендарная фигура в музыке ХХ века. За долгую жизнь этому композитору удалось использовать все достижения современной авангардной музыки.

Русская народная песня, богатство её ритмико-мелодической структуры были для Стравинского источником создания собственной мелодики фольклорного типа. Стравинский никогда не был просто эпигоном каких-либо стилей. Напротив, любая стилистическая модель преображалась им в исключительно индивидуальное творение. Стравинский утверждал, что его музыка словно развивается сама по себе, но все же и в ней содержатся идеи, доступные всеобщему восприятию.

Игорь Стравинский родился 17 июня 1882 года в Ораниенбауме близ Петербурга. С артистической средой он был знаком с ранних лет: его отец — прославленный певец Мариинского театра, где помимо сослуживцев бывали и Стасов, и Мусоргский, и Достоевский, и Н. А. Римский-Корсаков, и балетмейстер М. И. Петипа. Фантасмагорию театра, приволье и произвол его закулисной жизни Стравинский впитал в себя с детства.

В доме Стравинских постоянно звучала музыка. Возможно, поэтому родители не обращали особого внимания на музыкальные занятия маленького Игоря. С девяти лет у него появилась учительница музыки. Но главным воспоминанием Стравинского об этих уроках осталось то, что наставница запрещала ему импровизировать за роялем.

Юношей он уже принадлежал к высшим кругам Петербургской художественной интеллигенции, стал участником «Вечеров современной музыки» — их возглавляли А. П. Нуроки и В. Ф. Нувель.

Через них он сблизился с деятелями «Мира искусства» и с тем, кто задавал здесь тон — с Сергеем Павловичем Дягилевым, при решающем воздействии и покровительстве которого утвердилась блистательная композиторская карьера молодого Стравинского.

Позднее именно благодаря Дягилеву, но, возможно, не без участия и другого ревнивого покровителя – Клода Дебюсси — он быстро проник в сферы аристократической элиты Парижа.

Где и как Стравинский знакомился с народной песней доподлинно неизвестно. В дни детства под Петербургом? В Устилуге бывшей Волынской губернии, в имении своей жены, где жил после женитьбы с 1906 года? На ярмарках в Ярмолинцах, находившихся неподалёку от Устилуга? Однако именно русская народная песня была основным источником его новаторства, его откровения.

Профессиональным композитором Стравинский стал сравнительно поздно — только после того, как весной 1905 года в возрасте 23 лет окончил университет. До того он лишь обращался за советами к Римскому-Корсакову. Но с осени 1905 года занятия стали регулярными — дважды в неделю. Пять лет близкого общения с Николаем Андреевичем Римским-Корсаковым многое дали Стравинскому. Он воочию — на примере своего учителя — познакомился с техникой композиторского труда.

«Юношеское» творческое созревание было очень недолгим, а взлёт оказался столь стремительным, что в отличие от биографий многих других композиторов первый же творческий период Стравинского, который открывается «Жар-птицей», явился периодом творческой зрелости. Таким образом, «русский» этап предстаёт во всем великолепии своих свершений как период зрелого мастерства.

Первое крупное сочинение Стравинского — фортепианная соната — датируется 1904 годом. Его музыка впервые прозвучала 27 декабря 1907 года на одном из концертов «Вечеров современной музыки» в скромном зале Петербургской музыкальной школы. Певица Е. Ф. Петренко исполнила «Пастораль» и «Весну священную». Эти песни были им написаны незадолго до того. Вскоре последовали другие премьеры.

Слава пришла к нему неожиданно в 28 лет вместе с показом «Жар-птицы» в Париже в 1910 году и закрепилась там же спустя три года небывало скандальной премьерой «Весны священной». Слава прилепилась к его имени и не оставляла более.

Русская сказка об Иване-царевиче, освободившем прекрасную царевну от чар Кащея, воплощена в музыке «Жар-птицы».

Мир русской ярмарки с её озорными плясками, балаганами, уличными наигрышами шарманки и гармоники нашёл своё яркое отражение в «Петрушке»; на фоне праздничного разгула толпы представлены трагические смятения кукольного героя Петрушки, обманутого ветреной Балериной.

Впечатление оглушительного взрыва произвела музыка «Весны священной» — балета, рисующего картины языческой Руси. «Весна священная» ознаменовала начало нового этапа в истории мировой музыки. Стремясь передать «варварский» дух далёкой древности, автор применил неслыханно дерзкие созвучия, стихийные ритмы, буйные оркестровые краски. В ряде его сочинений использованы необычные ритмы, оригинальные инструментальные эффекты.

После парижской премьеры «Жар-птицы» 1910 года Стравинский сблизился с Дебюсси. Они были дружны в течение девяти лет, до самой смерти француза. Поначалу Дебюсси видел в Стравинском близкого по стилю композитора. Но внезапная эволюция Стравинского озадачила Дебюсси: со смешанным чувством одобрения и недоумения он отнёсся к «Весне священной» — его молодой друг в этом эпохальном сочинении порвал с импрессионизмом, преодолел его.

Стравинский входит в моду, он посещает великосветские парижские салоны, связанные с некогда известными именами. Это — графиня Эдмон де Полиньяк, дочь богатейшего фабриканта швейных машин Зингера, в салоне которой впервые исполняются заказанные ею произведения не только Стравинского, но и Форе, Равеля, Сати, де Фальи, Пуленка. Это и Габриэль Шанель – владелица аристократического ателье мод, одна из самых щедрых покровительниц Дягилева; Стравинский получает также заказы от актрисы и танцовщицы Иды Рубинштейн, от Элизабет Спрэг Кулидж — меценатки из США и т. д. Он завязывает близкие сношения с представителями других видов искусства, с философами, физиками, теологами. С ним встречаются и крупные государственные деятели. А бесконечные интервью, в которых, по замечанию Стравинского, «слова, мысли и даже самые факты искажались до полной неузнаваемости» и которые он, тем не менее, охотно давал, поражая интервьюеров находчивостью, остроумием, парадоксальностью суждений, — разве кто-либо из композиторов ХХ века удостаивался такого внимания?

Второй период творчества композитора приходится на годы после Первой мировой войны, когда он постоянно жил в Париже и в 1934 году принял французское гражданство. С новым окружением его объединяло как духовное, так и творческое родство. Таким образом, он стал блестящим представителем международного авангарда в музыке. Новый стилистический период его творчества, по числу произведений наиболее плодотворный (около 45 сочинений), можно охарактеризовать как возвращение к стилю прошлых времён (от античности до классицизма). Это так называемый «неоклассицизм».

Новый переломный момент в творчестве композитора обозначает «Пульчинелла» — балет с пением (1919-1920). Произошло это не случайно, не было капризом творца: закончилась война, закончился период убийств, бесчеловечных разрушений, и у Стравинского появилась потребность освежить свою палитру. Радостный, солнечный свет излучает музыка «Пульчинеллы»; бодрым, жизнедеятельным характером отмечен Октет (1922-1923); улыбкой озарена комическая опера «Мавра» (1921-1922). А более поздние произведения – «Аполлон» (1927-1928) и «Поцелуй феи» (1928) отбросят свет на творчество Стравинского ближайшего десятилетия; отзвуки тенденций, в них заложенных, скажутся и в сороковые годы.

Всего для балетного театра композитор написал восемь оркестровых партитур: «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная», «Аполлон Мусагет», «Поцелуй феи», «Игра в карты», «Орфей», «Агон». Также он создал три балетных произведения с пением: «Байка», «Пульчинелла», «Свадебка».

Трудно оспаривать значение новаторской музыки Стравинского в развитии хореографии ХХ века. Тем не менее, сценическая судьба его балетов — то ли по вине консервативных вкусов театральных зрителей, то ли из-за недостаточной изобретательности постановщиков — оказалась не столь счастливой, как это следовало бы ожидать, и музыка Стравинского подчас была отмечена большим признанием не в театре, а на концертной эстраде. Яркие тому примеры – «Весна священная» и «Свадебка».

Затяжной кризис начался у композитора с середины 1930-х годов. Жесточайший смерч проносится над человечеством, вызвав неисчислимые жертвы; он утихает лишь в 1945 году. Своим беспощадным крылом этот смерч коснулся и Стравинского, заставив его эмигрировать из Франции в США. А перед тем, в 1938-1939 годах, он похоронит жену, мать, дочь и над ним самим нависнет смертельная опасность (острая вспышка туберкулёза, от той же болезни умерли жена и дочь).

Потеряв родных, отторгнутый от привычной обстановки, от друзей и близких, на пороге 60-летия он будет заново строить жизнь (вместе с новой женой) в культурно-социальных условиях, которые до конца дней останутся ему чуждыми. Растерянность ощущается в его действиях, в невольных уступках «американскому вкусу».

В 1945 году, после войны, которую он пережил на Американском континенте, Стравинский стал гражданином США. После 30 лет творчества в стиле неоклассицизма композитор вновь совершает поворот, на сей раз ориентируется на серийную технику, которую в Европе развивает новая венская школа, в основном Антон Веберн.

Без преувеличения можно утверждать, что ни один зарубежный композитор ХХ века не был так образован, как Стравинский. Философия и религия, эстетика и психология, математика и история искусства — все находилось в поле его зрения; проявляя редкую осведомлённость, он во всем хотел разобраться как специалист, имеющий свой взгляд на затронутый вопрос, своё отношение к трактуемому предмету. Стравинский — неистовый читатель — с книгой не расставался до самого преклонного возраста. Его библиотека в Лос-Анджелесе насчитывала около 10 тысяч томов.

Он был очень деятельным в общении, в переписке. Нетерпеливо быстрым был Стравинский как в ходьбе — до тех пор, пока после удара в 1956 году не ослабла левая нога, так и в реакции на реплики собеседника.

Но главное — работа: он был великим тружеником, не позволял себе расслабляться, и в случае необходимости мог, не отрываясь, заниматься по 18 часов. Роберт Крафт свидетельствовал в 1957 году, что он трудился тогда — то есть в возрасте 75 лет! — по 10 часов в сутки: до обеда над сочинением музыки 4-5 часов и после обеда 5-6 над оркестровкой или переложением.

Три произведения являются главными в творчестве Стравинского последнего пятнадцатилетия. Это «Священное песнопение» (1955-1956), «Плач пророка Иеремии» (1957-1958), «Заупокойные песнопения» (1965-1966).

Высшее достижение Стравинского — Реквием «Заупокойные песнопения». В 84 года Стравинский создал произведение, отличающееся истинными художественными прозрениями. Музыкальная речь стала более ясной и одновременно образной, эмоционально контрастной. Реквием — это итоговое сочинение Стравинского, и не только потому, что это его последнее крупное произведение, но и потому, что оно вобрало в себя, синтезировало, обобщило многое из предшествующего художественного опыта композитора.

В 1969 году здоровье его резко ухудшилось. Однако продолжало биться сердце, продлевая угасающую жизнь. Он скончался 6 апреля 1971 года — за два месяца до своего 89-летия.

Основные произведения композитора:

• Оперы: «Соловей» (1908-1914), «Мавра» (1922), «Царь Эдип» (1927), «Похождения повесы» (1951);
• Балеты: «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911), «Весна священная» (1913), «Пульчинелла» (1920), «Аполлон Мусагет» (1928), «Поцелуй феи» (1928), «Игра в карты» (1936), «Орфей» (1947), «Агон» (1957);
• Музыкально-сценические произведения: «Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана» (1916), «История солдата» (1918), «Свадебка» (1923), «Персефона» (1934), «Потоп» (1962);
• Для оркестра: 3 симфонии (1907, 1940, 1945), «Фантастическое скерцо», «Фейерверк» (1908) и др.;
• Камерно-инструментальные ансамбли;
• Произведения для хора и оркестра;
• Кантаты;
• Вокальные, инструментальные произведения;
• Сочинения для хора а cappella и многое другое.

ЗВУКИ МУЗЫКИ

Жар-птица

Написать эту балетную партитуру Стравинскому предложил Дягилев. Премьера балета в Париже обернулась триумфом для них обоих.

Это было первое крупное сочинение Стравинского. Премьера балета, написанного для труппы Дягилева «Русский балет», состоялась в 1910 году. Великая балерина Тамара Карсавина исполняла главную партию, и этот спектакль открыл новую главу в истории балета.

Сценарий «Жар-птицы написан на сюжет русской сказки. Иван-Царевич ловит Жар-птицу, которая отдаёт ему одно из своих волшебных перьев в обмен на свободу. Затем Иван входит в волшебный сад Кощея Бессмертного, пленившего тринадцать прекрасных царевен. Кощей со своей свитой чудищ нападает на Ивана-Царевича и угрожает превратить его в камень. Но последний вызывает Жар-птицу с помощью пера, которое она отдала ему, и та приводит его к гигантскому яйцу, в котором заключена жизнь Кощея. Иван-Царевич разбивает яйцо, убивает Кощея и женится на самой прекрасной из пленённых царевен.

Музыка к «Жар-птице» — захватывающая смесь красочной причудливой оркестровки — здесь сказывается влияние педагога Римского-Корсакова и формирующегося музыкального языка самого Стравинского.

Жар-птица неслыханно прекрасна, её оперение сияет всеми мыслимыми цветами и оттенками, буквально ослепляет. Музыка в «Плясе Жар-птицы» переливается гармониями, словно красочное оперение птицы, в высоком звучании духовых и глиссандо арфы.

«Игра царевен золотыми яблочками» изображает заколдованных пленниц Кощея, резвящихся среди золотых яблонь в его саду.

Мощнейшие грохочущие аккорды в оркестре объявляют о начале «Поганого пляса Кощеева царства». Сильно синкопированные ритмы, объединённые с рельефным звучанием ксилофона, помимо других ударных инструментов, и удивительные глиссандо тромбона, делают этот номер наиболее захватывающим и напряжённым.

Аполлон Мусагет

Балет «Аполлон Мусагет», созданный в 1927 году, принадлежит к неоклассическому периоду творчества Стравинского, без русского влияния и намёков на фольклор. Аполлон был богом солнца и предводителем муз (покровительниц наук, поэзии и искусств) у древних греков. Музыка написана для нежных звуков струнного оркестра и по образцу элегантных «классических» балетов, исполняемых при дворе французского короля Людовика XIV. Названия самих танцев соответствуют «классическому» стилю.

Четыре действующих лица — Аполлон и три музы, которые имеют непосредственное отношение к балету: Терпсихора — воплощение танца, Каллиопа — олицетворяет поэзию и её ритмику, Полигимния — искусство пантомимы. Они рассказывают о рождении Аполлона, его обучении и восхождении на Парнас.

На острове Делос (первоначальное название — Астерия) в глубине пещеры рождается сын Зевса — Аполлон.

Аполлон появляется из пещеры, у подножия скал, делая первые, ещё неловкие движения. Две богини подходят к нему, чтобы сопровождать в жилище богов, на гору Олимп. Они надевают на Аполлона золотой пояс в знак его божественного происхождения, обвивают чело виноградными гроздьями и вкладывают в руки арфу — символ искусства. По воле своего отца он должен стать покровителем искусств.

Аполлон на Олимпе. Он овладел искусством игры на арфе, а теперь делает первые шаги в танце. Подходят музы Полигимния, Терпсихора и Каллиопа и склоняются перед своим повелителем — водителем муз Мусагетом. Аполлон предпочитает Терпсихору двум другим музам. Все прославляют великую силу искусства.

Петрушка

«Петрушка» — второй из ряда удивительных балетов, которые Стравинский написал для балетной компании Дягилева, в его премьере, состоявшейся в Париже в 1911 году, участвовал знаменитый танцор Вацлав Нижинский. Это произведение более зрелое по сравнению с «Жар-птицей» — музыка более дерзкая в своей самобытности и пронизана цитатами из русских песен и танцев. Этот новый реализм распространяется на характер Петрушки – традиционной куклы-перчатки, наполненной человеческими чувствами и переживающей серьёзную романтическую драму. Такой психологический аспект был весьма нов для танцевального мира.

«Гулянье на масленице в Петербурге». Музыка поражает необычайной жизненностью, яркостью в обрисовке праздничного уличного быта старого Петербурга. Адмиралтейская площадь, яркий зимний день. В центре сцены — театрик Фокусника. Тут же карусели, перекидные качели, ледяные горы, лавки со сластями. С первых же тактов в оркестре слышится общий неумолкающий вибрирующий гул: говор, выкрики торговцев, обрывки песен и т. д.

Завораживающей мелодией своей флейты фокусник привлекает толпу в свой театр, где три куклы – Петрушка, Балерина и Арап – исполняют живой и яркий «Русский танец».

Вопросы для закрепления материала:

1. Назовите годы жизни композитора.
2. Кого Стравинский считал своим «великим учителем»? Какое произведение композитор посвятил его памяти?
3. Какую дату мы считаем началом мировой славы Стравинского?
4. Назовите имя русского театрального деятеля, с которым связано создание ранних балетов композитора.
5. Лидером какого направления в искусстве Стравинский стал в 20-30-е годы?
6. Когда Стравинский в последний раз посетил Россию?

Презентация

В комплекте:
1. Презентация — 21 слайд, ppsx;
2. Звуки музыки:
Стравинский. «Аполлон и музы» из балета «Аполлон Мусагет», mp3;
Стравинский. «Гулянье на масленице в Петербурге» из балета «Петрушка», mp3;
Стравинский. «Игра царевен золотыми яблочками» из балета «Жар-птица», mp3;
Стравинский. «Пляс Жар-птицы» из балета «Жар-птица», mp3;
Стравинский. «Поганый пляс Кощеева царства» из балета «Жар-птица», mp3;
Стравинский. «Русский танец» из балета «Петрушка», mp3;
3. Сопровождающая статья, docx.

Источник